12 julio, 2017

Art of the In-Between. Rei Kawakubo en el MET

por Anna Adrià

‘Me gusta trabajar con el espacio y el vacío’
– Rei Kawakubo

Art of the In-Between es la exposición de la japonesa Rei Kawakubo, diseñadora de Comme des Garçons, en el Museo Metropolitan de Nueva York, curada por Andrew Bolton, director del Costume Institute del Met.

Ser la segunda diseñadora viva a la que el Metropolitan le dedica una exposición monográfica de su obra –la primera fue la de Ives Saint Laurent en 1983–, demuestra la influencia que han tenido sus diseños. Desde la fundación de Comme des Garçons en 1969, Kawakubo ha definido y redefinido constantemente la estética de la moda.

06_Then_Now

En la muestra se pueden ver 150 diseños de las colecciones de Alta Costura de la firma Comme des Garçons y examina nueve expresiones de las colecciones de Kawakubo: Absencia/PresenciaDiseño/No diseñoModa/Anti-modaModelo/MúltipleAlto/Bajo –formada a su vez por Alta Cultura/Cultura Popular y Buen gusto/ Mal gusto–; En ese entonces/Ahora –Pasado/ Presente/ Futuro Nacimiento/ Matrimonio/ Muerte–; Propio/Ajeno –Este/Oeste, Masculino/Femenino, Niño/Adulto–; Objeto/ Sujeto, e Indumentaria/No indumentaria –Forma/Función, Abstracción/Representación, Bello/Grotesco, Guerra/Paz, Vida/Pérdida, Realidad/FicciónOrden/Caos, Consolidado/Sin consolidar–.

Comme des garçons

La exposición se piensa como una manifestación completa del propio universo de Comme des Garçons y pretende convertirse en una experiencia de inmersión, facilitando una conexión entre el espectador y los diseños. El diseño expositivo es una colaboración entre la Kawakubo, el curador y el departamento de diseño del Metropolitan. Para llevarla a cabo, la japonesa construyó una maqueta del espacio a escala 1:1 en un almacén de Tokio y definir así todos los detalles antes de empezar la construcción final a distancia en Nueva York. El proceso es el mismo que sigue con sus piezas de moda.

09_Clothes_Not Clothes

El itinerario de la exposición, aunque puede ser libre para que cada visitante pueda descubrir las diferentes fases en el proceso de diseño de la japonesa, viene marcado por los números de los temas expuestos. La primera mitad de la exposición, con diseños previos a 2014, es más abierta ya que todos los nichos –los núcleos geométricos– se encuentran alrededor de un espacio más o menos amplio, desde el que se pueden ver todas las prendas expuestas. La segunda parte, que da la espalda a la entrada de la galería, ofrece espacios más íntimos con un recorrido lleno de obstáculos, pero que invitan al espectador a descubrir todos los diseños posteriores a 2014. Por petición de la diseñadora no se muestran las colecciones Curiosity y aquellas diseñadas antes de los años ochenta.

Los núcleos geométricos acogen escenas de temas contrapuestos, donde cada uno de los maniquís con los vestuarios de Kawakubo son caracterizados con originales pelucas diseñadas por Julien d’Ys. En algunos casos, estos núcleos son espacios muy pequeños, donde el espectador debe pararse frente a la puerta y enfrentarse cara a cara con cada uno de estos personajes inmóviles, en otros casos, son grandes escaparates o escenarios donde se presenta a todo el elenco después del show.

Rey Kawakubo diagrama

El único texto que hay en toda la galería es el título de cada una de las nueve expresiones. Kawakubo no quiere que su obra sea interpretada y analizada sino que prefiere que el visitante pueda formar una opinión subjetiva de lo que ve. El folleto con el plano de la sala, es una información complementaria que puede ayudar al espectador a conocer el recorrido histórico de la diseñadora y algunos detalles de cada colección.

La muestra invita así a perderse entre el contraste de los blancos volúmenes geométricos y las oscuras y coloridas formas amorfas de sus vestidos. El resultado es un espacio ‘entre medio’ en el que el vacío se ve interrumpido por las intersecciones entre los elementos geométricos que ocupan el espacio.

 

‘Mis prendas y el espacio que habitan son inseparables.
Transmiten la misma visión, el mismo mensaje y los mismos valores’
–Rei Kawakubo


 

posgrado_EE

¿Te interesa la museografía y la esceneografía? El Posgrado Espacio efímero es un programa que ofrece Arquine junto a la Universidad Politécnica de Cataluña con una vocación internacional clara, que propone una mirada integral, transversal y globalizadora en el ámbito del diseño y producción de espacios.

 


 

Artículos relacionados:

Captura de pantalla 2017-05-11 a las 1.09.39 p.m.

La calle como espacio expositivo

Al pensar en espacio expositivo imaginamos el museo que muestra grandes obras y reconocidas piezas de arte. Rara vez nos acordamos de los escaparates, esos espacios comerciales destinados a llamar la atención del transeúnte mientras circula. El escaparate nació con la construcción de los grandes almacenes. Estas nuevas tecnologías arquitectónicas permitieron cerrar los comercios con grandes ventanales en los que exponer la mercancía a la venta. Pronto, el escaparate se convirtió en el vehículo fundamental de comunicación entre el comercio, el cliente y sus deseos, en el que la calle pasa a ser espacio expositivo.

Posted in Columnas | Leave a comment

DSC_0825-1

El escenario explota

La exposición ‘El escenario explota’ nos permite descubrir las claves de la obra del arquitecto alemán Frederick Kiesler (Czernowitz, 1890 – Nueva York, 1965). Kiesler fue un precursor e innovador, cuyas teorías le han convertido en un referente indiscutible de la arquitectura, así como del mundo de la escenografía, el diseño y el cine experimental. La muestra presenta documentos originales como planos y dibujos realizados por el propio Kiesler, acompañada de reconstrucciones de algunas sus maquetas y escenografías más representativas, que permiten ver en la totalidad su universo imaginado.

Posted in Columnas | Tagged , , | Leave a comment

011

La tela, la trama y la red

“En efecto, encontramos una extraña configuración etimológica, como un círculo de palabras alrededor de la idea arquitectural, en la que encontramos teckhné, tektòn, y las latinas tegere y texere. Dicho de otro modo: ¡la técnica o el arte, la carpintería o la construcción, la cubierta o el tejido! Todas provienen de una raíz indoeuropea común: tekth, teksala, que significa producir, construir, pero que evoluciona a tesla, de donde el latín tela, tejido, trama, red.” —Bruno Queysanne

Posted in Columnas | Tagged , , , , , | Leave a comment

ARTÍCULOS DEL MISMO AUTOR./

Publica

Alumbrado en el espacio público

La red vial de la Ciudad de México tiene una longitud superior a los 10,000 kilómetros que hace de la calle el espacio público más extenso de la ciudad. A pesar de que el alumbrado público es uno de varios elementos que conforman la calle, su papel es fundamental en la imagen, el medio ambiente y la economía de una ciudad.

Ver más