‘Me gusta trabajar con el espacio y el vacío’
– Rei Kawakubo

Art of the In-Between es la exposición de la japonesa Rei Kawakubo, diseñadora de Comme des Garçons, en el Museo Metropolitan de Nueva York, curada por Andrew Bolton, director del Costume Institute del Met.

Ser la segunda diseñadora viva a la que el Metropolitan le dedica una exposición monográfica de su obra –la primera fue la de Ives Saint Laurent en 1983–, demuestra la influencia que han tenido sus diseños. Desde la fundación de Comme des Garçons en 1969, Kawakubo ha definido y redefinido constantemente la estética de la moda.

En la muestra se pueden ver 150 diseños de las colecciones de Alta Costura de la firma Comme des Garçons y examina nueve expresiones de las colecciones de Kawakubo: Absencia/Presencia; Diseño/No diseño; Moda/Anti-moda; Modelo/Múltiple; Alto/Bajo –formada a su vez por Alta Cultura/Cultura Popular y Buen gusto/ Mal gusto–; En ese entonces/Ahora –Pasado/ Presente/ Futuro y Nacimiento/ Matrimonio/ Muerte–; Propio/Ajeno –Este/Oeste, Masculino/Femenino, Niño/Adulto–; Objeto/ Sujeto, e Indumentaria/No indumentaria –Forma/Función, Abstracción/Representación, Bello/Grotesco, Guerra/Paz, Vida/Pérdida, Realidad/Ficción, Orden/Caos, Consolidado/Sin consolidar–.

La exposición se piensa como una manifestación completa del propio universo de Comme des Garçons y pretende convertirse en una experiencia de inmersión, facilitando una conexión entre el espectador y los diseños. El diseño expositivo es una colaboración entre la Kawakubo, el curador y el departamento de diseño del Metropolitan. Para llevarla a cabo, la japonesa construyó una maqueta del espacio a escala 1:1 en un almacén de Tokio y definir así todos los detalles antes de empezar la construcción final a distancia en Nueva York. El proceso es el mismo que sigue con sus piezas de moda.

El itinerario de la exposición, aunque puede ser libre para que cada visitante pueda descubrir las diferentes fases en el proceso de diseño de la japonesa, viene marcado por los números de los temas expuestos. La primera mitad de la exposición, con diseños previos a 2014, es más abierta ya que todos los nichos –los núcleos geométricos– se encuentran alrededor de un espacio más o menos amplio, desde el que se pueden ver todas las prendas expuestas. La segunda parte, que da la espalda a la entrada de la galería, ofrece espacios más íntimos con un recorrido lleno de obstáculos, pero que invitan al espectador a descubrir todos los diseños posteriores a 2014. Por petición de la diseñadora no se muestran las colecciones Curiosity y aquellas diseñadas antes de los años ochenta.

Los núcleos geométricos acogen escenas de temas contrapuestos, donde cada uno de los maniquís con los vestuarios de Kawakubo son caracterizados con originales pelucas diseñadas por Julien d’Ys. En algunos casos, estos núcleos son espacios muy pequeños, donde el espectador debe pararse frente a la puerta y enfrentarse cara a cara con cada uno de estos personajes inmóviles, en otros casos, son grandes escaparates o escenarios donde se presenta a todo el elenco después del show.

El único texto que hay en toda la galería es el título de cada una de las nueve expresiones. Kawakubo no quiere que su obra sea interpretada y analizada sino que prefiere que el visitante pueda formar una opinión subjetiva de lo que ve. El folleto con el plano de la sala, es una información complementaria que puede ayudar al espectador a conocer el recorrido histórico de la diseñadora y algunos detalles de cada colección.

La muestra invita así a perderse entre el contraste de los blancos volúmenes geométricos y las oscuras y coloridas formas amorfas de sus vestidos. El resultado es un espacio ‘entre medio’ en el que el vacío se ve interrumpido por las intersecciones entre los elementos geométricos que ocupan el espacio.

‘Mis prendas y el espacio que habitan son inseparables.
Transmiten la misma visión, el mismo mensaje y los mismos valores’
–Rei Kawakubo

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